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El expresionismo austriaco: Klimt, Kokoschka y Schiele

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Mensaje  Lois_Lane Lun Ago 27, 2012 8:05 pm

El expresionismo austriaco: Klimt, Kokoschka y Schiele Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, Viena, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, Viena, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Juventud y formación

Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres). Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.5 Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica. En 1877 su hermano Ernst -que con el tiempo se convertiría en grabador, como su padre- también fue admitido en la escuela. Los dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un colectivo que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena.5 Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra.

En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena.5 Fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron, Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de la definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt conoció también a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del artista y se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce niños durante esta relación.

La secesion vienesa

Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa -de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud-. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros. A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental -aunque sus obras eran generalmente detestadas- y pudo construir una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908.

En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica".8 Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos.8 El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas -la "Verdad desnuda"- suponía un paso adelante en su estética personal, pero también constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la verdad", iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:

Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo.

En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se había organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se presentaba una monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser expuesto temporalmente, el friso fue pintado directamente sobre la pared con una técnica ligera. Tras la exposición, sin embargo, el friso fue conservado, si bien no volvió a ser expuesto en público hasta 1986. Al año siguiente Klimt viajó por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar. Comenzaba entonces lo que algunos críticos han interpretado como la etapa de madurez artística del pintor: liberado de encargos públicos, Klimt había comenzado en 1890 a viajar con la familia Flöge al lago Attersee, donde realizó numerosos paisajes. Estas obras se convirtieron en una excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde siempre a la figura con enérgica devoción:

"No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante".


Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado, y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:

“Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…”

Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece "aplanado" de un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de que Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo.

La "etapa dorada" y el éxito de crítica

La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt -representada por El Cumplimiento y La Expectación- significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación". Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café". Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.

Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus obras solía verse "suavizada" por un enfoque alegórico, o simbólico, que la hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No escribió apenas nada sobre su visión artística o sus métodos.13 Del mismo modo, nunca llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a Flöge.

Vejez y fama póstuma

En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció. El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, veinte años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.

Las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por 29 millones de dólares, una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales de otras de sus obras. En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares). El 7 de agosto de 2006, la casa de pujas Christie's anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt, obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el segundo retrato de Adele Bloch-Bauer fue subastado en noviembre de 2006 -convirtiéndose en la tercera obra de arte más cara de la historia-,19 el Manzano, I (aprox. 1912) fue vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de dólares, y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31 millones. En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones de dólares.

Estilo y temas recurrentes

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales -como Durero- o exóticos -como los artistas de la escuela Rinpa japonesa. Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.

Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su obra. Sus dramáticas composiciones -utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos- subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior.

Legado

La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no sólo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Küntshalle, en 1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte. También se han realizado películas sobre su vida -la más conocida de ellas, protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda).


El expresionismo austriaco: Klimt, Kokoschka y Schiele Oskar_Kokoschka_%281963%29_by_Erling_Mandelmann_-_3

Oskar Kokoschka (1 de marzo de 1886 - 22 de febrero de 1980) fue un pintor y poeta de origen austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes expresionistas.

Sus primeros años


Oskar Kokoschka nació el 1 de marzo del año 1886 en el seno de una humilde familia dedicada al arte de la orfebrería, que residía en la pequeña localidad austríaca de Pöchlarn, situada en la ribera del río Danubio. Como consecuencia de la gran industrialización a la que estaba siendo sometida gran parte de Centroeuropa por aquel entonces, sus allegados sufrieron una serie de graves problemas económicos que le llevaron a intentar buscar unas vías de renovación y reivindicación de la manufactura artesanal.

Con diecinueve años ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, lugar en el que desenvolvería su preparación académica entre los años 1905 y 1908. Durante los cuatro años siguientes trabajó conjuntamente con el arquitecto y diseñador industrial Josef Hoffman, quién había creado una serie de talleres caracterizados por desarrollar su actividad de un modo cooperativo. A partir del año 1908, se hará cada vez más evidente la influencia que ejercen sobre él personajes como Gustav Mahler, Gustav Klimt y Sigmund Freud.

Inicio de su carrera


En 1908 publicó su primer libro de poemas, el cual había sido ilustrado por el mismo Kokoschka: Los muchachos soñadores. En esta primera obra todavía era posible advertir una gramática lineal, plana y decorativa propia del movimiento moderno vienés. En este mismo año realiza una serie de carteles y postales para la Wiener Werkstätte (Talleres de Viena), que serán expuestos en la Kunstschau vienesa, junto una escultura y el libro Die Träumenden Knaben. Sin embargo sus obras serán muy mal acogidas por parte del público y de la crítica, sientiéndose estos sectores agraviados por la fortísima expresividad de sus creaciones. La misma reacción se dará cuando el artista austríaco estrene su obra teatral Mörder, die Hoffnung der Frauen (El asesino, la esperanza de las mujeres), que sería la creación pionera del expresionismo escénico.

En 1909 conoce al arquitecto Adolf Loos, quien le ofrecerá protección a cambio de su arte, es decir, se establece una relación de mecenazgo. Después de trabajar en diferentes proyectos que le fueran encomendados por parte de su protector (entre ellos su primer retrato), Adolf Loos pondrá en contacto a Oskar con Herwarth Walden, que era el fundador de la revista expresionista Der Sturm. Con posterioridad, Kokoschka también se vinculará con Karl Graus y el círculo de Käthe Richter.

Traslado a Berlín

Frustrado por las malas críticas recibidas durante su estancia en Viena, el artista autríaco decidió mudarse a la capital alemana en el año 1910, con la ayuda de Herwarth Walden. En su nueva ciudad se dedicó fundamentalmente a retratar a los personajes que estaban vinculados a la intelectualidad alemana y austríaca de la época hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial.

Romance con Alma Mahler


Entre los años 1912 y 1915 mantiene una relación sentimental con Alma Mahler, viuda del gran compositor Gustav Mahler, que acabará por romperse tras la huida de Alma al temer el desenlace de un romance que por ocasiones llegaba a rozar la locura. Una vez la relación se había roto, Oskar Kokoschka decidió elaborar una pintura que pusiese de manifiesto la fuerza del amor y la perduración de este a pesar de las múltiples adversidades: La novia del viento

Muerte

La larga y agitada vida del gran pintor austríaco, exponente del expresionismo, concluyó en su casa de Villeneuve, enclavada en la misma orilla del lago Ginebra, al no superar un infarto de miocardio. Su fallecimiento sobrevendría mientras se encontraba dictando sus memorias.


El expresionismo austriaco: Klimt, Kokoschka y Schiele Self_Portrait_Egon_Schiele_1914

Egon Schiele (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.

Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Biografía


Su padre era jefe de estación y procedía del norte de Alemania; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.

En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.

En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.

En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).

Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.

Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en die Aktion.

Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Durante el breve lapso de tiempo que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran su última obra. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.
Estilo

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbre.

Fuente: Wikipedia


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Mensaje  amelief Mar Ago 28, 2012 12:49 am

Gracias Lois por tan magnifico reportaje,he disfrutado mucho al leerlo me encanta la obra de Klimt,y oir hablar de Viena me trae maravillosos y magicos recuerdos.



beso beso beso beso beso beso beso beso
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Mensaje  Harry Mar Ago 28, 2012 8:08 am

beso beso beso y por supuesto Gracias mil
a estos los andaba yo esperando, bueno, especialmente a Kokoschka, que es el que MÁS me gusta de los tres.
No digo más por no repetirme, y porque al final acabaría soltando un rollo y liándome yo misma, pero ya sabes lo que opino de tus reportajes. Son de lo mejorcito que se puede encontrar. beso
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Mensaje  tres Mar Ago 28, 2012 8:53 am

gracias por la información Lois, como siempre un placer.
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Mensaje  Eliadora Mar Ago 28, 2012 10:27 am

Lois, Aplauso Aplauso Aplauso

Como siempre un gustazo leerte y aprender de tus comentarios. beso beso
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Mensaje  Invitado Mar Ago 28, 2012 2:36 pm

Gracias Lois, muy buen articulo! Aplauso
El que mas me gusta y conocia es Klimt. Aplauso Aplauso
Kokoschka y Schiele han sido todo un descubrimiento.

El expresionismo austriaco: Klimt, Kokoschka y Schiele Gracias_06

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Mensaje  Mircalla Mar Ago 28, 2012 4:14 pm


¡Maravilloso!

Aplauso Aplauso
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Mensaje  Lois_Lane Mar Ago 28, 2012 6:58 pm

Gracias a vosotras por dedicar unos minutos a leer estos humildes posts. Realmente el mérito es de ABC.es por las magnificas galerías que ha ido publicando, y de la Wikipedia por las biografías de los respectivos artistas. Mi único mérito, si puede llamarse así, ha sido combinar ambas cosas (vamos, el copia y pega de toda la vida)

beso

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Mensaje  Harry Mar Ago 28, 2012 7:02 pm

Lois_Lane escribió:
Gracias a vosotras por dedicar unos minutos a leer estos humildes posts. Realmente el mérito es de ABC.es por las magnificas galerías que ha ido publicando, y de la Wikipedia por las biografías de los respectivos artistas. Mi único mérito, si puede llamarse así, ha sido combinar ambas cosas (vamos, el copia y pega de toda la vida)

beso

Si, pero aún así hay que buscar, copiar y pegar. Gracias beso
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Mensaje  BB Mar Ago 28, 2012 7:25 pm

Harry escribió:
Lois_Lane escribió:
Gracias a vosotras por dedicar unos minutos a leer estos humildes posts. Realmente el mérito es de ABC.es por las magnificas galerías que ha ido publicando, y de la Wikipedia por las biografías de los respectivos artistas. Mi único mérito, si puede llamarse así, ha sido combinar ambas cosas (vamos, el copia y pega de toda la vida)

beso

Si, pero aún así hay que buscar, copiar y pegar. Gracias beso

Justamente, hacer un post de estos lleva un rato y demuestra interés y cariño, Lois no te quites méritos. flower

Yo tengo una copia de un cuadro de Klimt en casa y me encanta.



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Mensaje  Anabelee Mar Ago 28, 2012 9:32 pm


Desde la primera vez que vi El Beso estoy atrapada en el universo de Klimt. Me encanta, me fascina, me hace soñar. Recolecto todos los libros que encuentro sobre él...
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Lois, para mí has vuelto a dar en el clavo. Kokoschka no lo conozco tanto, pero los desnudos de Schiele sí. Las biografías y las galerías, tal cual las combinas tú, son perfectas para cualquier estudiante. Debí conocerte hace muuuchos años, guapa.
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Mensaje  carmenmu Miér Ago 29, 2012 5:17 pm

Muchas Gracias Lois, su cuadro "La novia del viento", me ha encantado Aplauso Aplauso
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Mensaje  Harry Miér Ago 29, 2012 5:54 pm

También conocida como "La Tempestad" (que es como la conocía yo, hasta ayer), se basa en su relación con Alma Mahler ya viuda de Mahler, si la esposa de Gustav, de Walter Gropius y Franz Werfel, sucesivamente; casi na'.
En realidad lo hizo después de que ella lo abandonara causándole una gran pena y dolor.
Según Hitler fue uno de los artistas depravados, pero es que Hitler, además de dictador y pintor mediocre, no atinó en su definición del arte, pues todos a los que consideró "depravados" (sobre todo en música y arquitectura) o malos artistas, son hoy reconocidos mundialmente.
beso
P.D. disculpa Lois por meter baza sin venir a cuento. Ya sabes, el desvirtúe de siempre, pero es que este cuadro, es mucho más que un cuadro. beso
P.D. también es la protagonista del beso de Klimt, de quien también fue amante.

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Mensaje  lerele Jue Ago 30, 2012 8:31 am



No conocía a ninguna de los tres....luego al ver la galería si que me
sonaba algún cuadro !!!! El que mas me ha gustado "El Duomo de Florencia"

Gracias beso beso Lois, y no te quites merito que te lo
curras muy bien,guapa!!!!!!
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